MOTOMAMI de Rosalía: La Plasticidad Creativa Detrás de SAOKO

Disección de MOTOMAMI

La relación de su producción con el diseño

Cuando conocí a Rosalía por El mal querer, me costaba imaginar hacia dónde podía ir después. El flamenco y las referencias españolas estaban tan presentes que, cuando salió “Con altura”, sentí que había cambiado de dirección. La canción fue enorme, pero yo me alejé un tiempo. Lo que lanzó después no siempre conectó conmigo.

Entonces lanzó “La fama” como primer sencillo oficial de su nueva era qué, he de admitir, tampoco me ganó de inmediato. Me parecía una canción aceptable tirando a mediocre, yo sostengo que una colaboración con Romeo Santos para esta canción hubiera sido más atinada. Lo que sí es verdad es que me dejó una inquietud: sonaba muy distinta de lo que yo esperaba de la Rosalía de El mal querer. Más adelante entendería por qué tenía sentido abrir esta etapa con ella.

Los meses pasaron, la conversación alrededor de la estética sonora y de estilo de Rosalía la tenía bajo presión, y yo cada vez me sentía más de acuerdo con la parte de la población que se sentía “decepcionado” por abandonar la propuesta, hasta que lanzó SAOKO.

Aquí es donde entro en materia y empiezo el tema, aquí yo quiero darles mi perspectiva de por qué siento que MOTOMAMI ofrece una perspectiva valiosa para todas las personas que se dediquen a algo creativo, sobre todo, si es relacionado con el diseño.

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Volviendo a SAOKO, cuando la escuché por primera vez debo decir que la aprecié al instante, es intensa, el tratamiento de su voz me gustó, la fusión con elementos del jazz en el medio, una estructura cuya primera parte era solo reggaetón y que al final se fusiona con vocal chops y una batería orgánica que también forma parte de su fusión con el jazz.

Jaime Altozano ya lo mencionó en el video en el que, junto a Rosalía, repasaron el álbum tanto en temáticas como en producción, y el mencionaba que el álbum es minimalista y que tiene recursos que funge como la columna vertebral del disco, siendo estos; las baterías intensas de reggaetón, el tratamiento de la voz, los chops vocales, los filtros, la mezcla de géneros y sonidos, y la producción minimalista. Con esto también menciona que SAOKO es la única canción que cumple con todas estas reglas, por eso es la carta principal de la canción.

Y si, es cierto, escucho SAOKO y tiene todo esto, pero con el pasar de los años he logrado encontrar otro valor MUY IMPORTANTE dentro de algunas canciones de este álbum, que termina de unir las canciones en un producto final coherente: la plasticidad creativa.

Para explicar mejor este concepto repasemos los elementos de SAOKO:

Tiene un loop agresivo de piano distorsionado al cual se le agregó un filtro para darle dinamismo durante la canción. (Aquí cumple la regla de los filtros).

Su voz suena limpia y si, a lo mejor con efecto de ecualización, pero no suena con reverberación ni efectos que alteren su pitch. (Aquí cumple la regla del tratamiento de voz)

Desde el inicio entra una batería orgánica de jazz, la cual termina mezclada con el beat de reggaetón durante toda la canción. (Aquí se cumple la regla de la mezcla géneros y sonidos, y las baterías intensas del reggaetón)

Y al final la canción crea un clímax intenso gracias a los chops vocales. (Aquí se cumple la regla de los chops vocales)

Sin embargo en mi opinión la manera en la que hace que estos elementos convivan entre sí dentro de una canción de maneras muy creativas, no solo es la mezcla de géneros musicales sino cómo armó cada capa de la canción para crear una canción creativa e interesante. En SAOKO, esto se representa mediante la estructura tan distinta que utiliza, no hay pre coros, post coros, o siquiera coros tradicionales. Ojo, no digo que ella haya inventado esta manera de hacer música, pero esa sensibilidad que tuvo para decidir cómo armar esa canción es lo que me parece que tenemos que estudiar.

Y este elemento de la plasticidad creativa se encuentra en la mayoría de canciones, por ejemplo:

En “LA FAMA” lo encuentras en la decisión de sustituir las cuerdas de la bachata por su propia voz.

En “HENTAI” lo encuentras en la decisión de usar baterías de reggaetón para hacer un clímax intenso a una canción que justo toca el tema de la sexualidad desde el punto de vista femenino.

En “BULERÍAS” lo encuentras en cómo utilizó elementos digitales de manera tan sutil que no convirtió realmente una Bulería en una canción electrónica, sino que le dió más forma.

En fin, la razón por la que digo que considero que esta metodología de trabajo es importante para todas las personas que se dedican a cualquier cosa relacionada con el diseño es porque realmente muestra una cosa muy importante.

Como diseñador gráfico he escuchado demasiadas veces que menos es más, y la verdad no soy fan del minimalismo como tal, por lo que realmente no creí que entendiera ese consejo justamente por esa razón, pero la realidad es que lo que no entendía era hacer una vez que ya había encontrado las piezas clave de algún diseño. Rosalía pudo hacer utilizado los recursos de SAOKO para hacer una canción con una estructura tradicional, hacerla durar más tres minutos, con un coro super catchy, un post coro al estilo Lady Gaga, lo que se te ocurra. Pero no, decidió hacerla como le pareció correcto.

Eso es lo que a mi me faltaba entender, las piezas más importantes de una obra podrían estar ahí pero, si no sabes cómo unirlas de una manera creativa, terminará siendo un producto que solo sirva para lo que es, sin un valor agregado por parte de tu creatividad, y claro, la funcionalidad va primero que el diseño, pero si quieres hacer algo diferente, tienes que obligarte a pensar diferente.

Por eso un creativo debe aprender a hacer convivir su lado técnico, el que al igual que Rosalía, le ayude a poner reglas que hagan que lo construya tenga un sentido, que lo haga identificar las partes que forman la columna vertebral de su obra. Con su lado creativo, que le haga darle una forma única a esta obra, una diferenciación con el resto.